Über Kunst – Was meinen wir wirklich

Über Kunst – Was meinen wir wirklich

Mark Rothko, ein amerikanischer Künstler, der sich selbst als “abstrakter Maler” bezeichnete, sagte einmal, er sei nicht die Art von Person, die sich für das Verhältnis von Form, Farbe oder Ähnlichkeit interessiert. Er definierte sich nicht als Abstraktionist, sondern als eine Person, die nur daran interessiert war, grundlegende menschliche Gefühle wie Untergang, Tragödie, Ekstase usw. auszudrücken. Das war die Vision einer Person von Kunst, aber was verstehen wir heute unter Kunst? Warum ist es so schwierig, das Konzept zu definieren?

Mark Rothko, ein amerikanischer Künstler, der sich als “abstrakter Maler” bezeichnete, sagte einmal über Kunst, er sei nicht der Typ, der sich für das Verhältnis von Form, Farbe oder Ähnlichkeit interessiere. Er definierte sich nicht als Abstraktionist, sondern als eine Person, die nur daran interessiert war, grundlegende menschliche Gefühle wie Untergang, Tragödie, Ekstase usw. auszudrücken. Das war die Vision einer Person von Kunst, aber was verstehen wir heute unter Kunst? Warum ist es so schwierig, das Konzept zu definieren?

Dieser Artikel ist eine Erkundung der Bedeutung von Kunst und ein Versuch, die Beziehung zwischen Kunst und Künstlern zu verstehen, mit einigen nützlichen Einsichten durch Interviews sowohl mit traditionellen als auch mit digitalen Künstlern.

1. Über Kunst – Was Ist Das?

Diese Frage taucht häufig mit vielen Antworten auf. Viele argumentieren, dass Kunst nicht definiert werden kann. Wir könnten dies auf verschiedene Arten tun. Kunst wird oft als Prozess oder Produkt einer bewussten Anordnung von Elementen auf eine Weise angesehen, die die Sinne oder Emotionen anspricht. Es umfasst eine Vielzahl menschlicher Aktivitäten, Kreationen und Ausdrucksformen, darunter Musik, Literatur, Film, Skulptur und Malerei. Die Bedeutung von Kunst wird in einem Zweig der Philosophie erforscht, der als Ästhetik bekannt ist. Das behauptet zumindest Wikipedia

Kunst wird im Allgemeinen als eine Aktivität oder ein Produkt verstanden, das von Menschen mit einem kommunikativen oder ästhetischen Zweck ausgeführt wird – etwas, das eine Idee, eine Emotion oder allgemeiner eine Weltanschauung zum Ausdruck bringt .

Es ist ein Bestandteil der Kultur und spiegelt in seiner Gestaltung wirtschaftliche und soziale Substrate wider. Es vermittelt Ideen und Werte, die jeder Kultur in Raum und Zeit innewohnen. Seine Rolle ändert sich im Laufe der Zeit und erhält hier mehr eine ästhetische Komponente und dort eine sozialpädagogische Funktion.

Alles, was wir bisher gesagt haben, hat Elemente der Wahrheit, ist aber hauptsächlich Meinung. Laut Wikipedia haben “Kunsthistoriker und Kunstphilosophen seit langem klassifikatorische Auseinandersetzungen darüber geführt, ob eine bestimmte kulturelle Form oder ein Kunstwerk als Kunst eingestuft werden sollte”.

Die Definition von Kunst ist offen, subjektiv und umstritten. Es gibt keine Übereinstimmung zwischen Historikern und Künstlern, weshalb wir so viele Definitionen von Kunst haben. Das Konzept selbst hat sich im Laufe der Jahrhunderte geändert .

Der Begriff der Kunst ist bis heute umstritten und offen für vielfältige Interpretationen. Es kann einfach so verstanden werden, dass es sich um eine menschliche Aktivität oder einen Satz von Regeln handelt, die zur Entwicklung einer Aktivität erforderlich sind. Dies würde das Konzept über das hinaus verallgemeinern, was normalerweise als bildende Kunst verstanden wird und nun auf akademische Bereiche ausgedehnt wird. Das Wort hat auch viele andere umgangssprachliche Verwendungen.

In diesem Artikel meinen wir Kunst als eine Form des menschlichen Ausdrucks kreativer Natur .

2. Die Entwicklung Des Kunstbegriffs

Während sich die Definition von Kunst im Laufe der Jahre geändert hat, hat sich das Feld der Kunstgeschichte dahingehend weiterentwickelt, dass wir Veränderungen in der Kunst im Laufe der Zeit kategorisieren und besser verstehen können, wie Kunst die kreativen Impulse von Künstlern prägt und prägt.

Ein solides Verständnis der Kunstgeschichte ist daher wichtig. Ich sprach mit Alexander Daniloff und Jonathan Ball über das Konzept von Kunst durch Geschichte und darüber, ob es möglich ist, eine Linie durch traditionelle und zeitgenössische Kunst zu ziehen.

Alexander Daniloff ist ein russischer Künstler, der in Italien lebt und arbeitet. Sein Fokus liegt auf der Malerei, obwohl er in verschiedenen Medien gearbeitet hat. In letzter Zeit hat er an Kinderillustrationen gearbeitet. Er hat an verschiedenen Veranstaltungen und Illustrationswettbewerben teilgenommen und drei Bücher illustriert. Er hat zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in Italien, Russland, Holland, Spanien, Finnland und den USA durchgeführt.

Jonathan Ball ist der kreative Kopf von Poked Studio, einem innovativen Unternehmen, das sich der Entwicklung kreativer visueller Lösungen verschrieben hat. Das ist noch nicht alles: Zu den Dienstleistungen von Poked Studio gehört Illustration; Web-, Grafik- und Blog-Design; 3D-Rendering und Visualisierung; Bewegungsgrafiken; Kinderbuchillustration; Flash-Websites; und Spiele.

Frage: Können wir eine Linie zwischen traditioneller und zeitgenössischer Kunst ziehen?

Alexander Daniloff: Ich glaube nicht, dass wir etwas sagen können, ohne umstritten zu sein, auch nicht ich. Ich habe eine traditionelle Sichtweise und bevorzuge Kunstwerke, die für den Künstler oder die Zeit sprechen. Ich kann nicht erklären, was zeitgenössische Kunst ist oder was sie sein soll. Ja, Sie können eine Linie von traditioneller zu zeitgenössischer Kunst verfolgen, aber keine gerade. Vielleicht ist es eine Parabel, die auf und ab geht, oder eine Spirale. Wir wissen es nicht. Wir können nur sagen, dass sich der Kunstmarkt entwickelt hat, was sich auf die Kunst selbst auswirkt. Mit dem, was wir zeitgenössische Kunst nennen, sind Worte und Erklärungen immer mehr wert.

Die bildende Kunst wurde durch Artikel und kritische Aufsätze verändert. Inzwischen sind die Werke selbst stumm geworden. Im Theater haben die Kuratoren und Kritiker die erste Reihe eingenommen. Dies ist meine Ansicht über den Unterschied zwischen zeitgenössischer und traditioneller Kunst.

Ich persönlich bevorzuge Kunst in menschlichen Dimensionen: Kunst, die flüstert und nicht schreit, Kunst, die mich bedeckt und mich zum Fliegen bringt und nicht zerquetscht. Aber ich muss gestehen, einige dieser modernen Dinge ziehen mich an; Zum Beispiel Wandmalerei (Graffiti) und abstrakte Dinge.

Jonathan Ball: Ja, auf jeden Fall [wir können eine Grenze zwischen traditioneller und zeitgenössischer Kunst ziehen]. Viele der gleichen Techniken werden auf leicht unterschiedliche Weise und mit unterschiedlichen Werkzeugen verwendet. Die gleichen Prinzipien gelten, aber Sie schaffen Kunst.

Ich sehe eine Linie, die sich besonders durch die stilisierte Form der japanischen Kunst wie Hokusai und die zeitgenössische stilisierte grafische Illustration zieht.

Frage: Wie würden Sie im Vergleich zur Entwicklung der traditionellen Kunst die Entwicklung der digitalen Kunst (oder der neuen Medien) beschreiben?

Jonathan Ball: Die digitale Kunst hat sich offensichtlich viel schneller entwickelt als die jahrtausendelangen handwerklichen Techniken. Eine ganze Generation hat sich mit „Photoshop“ und anderen Werkzeugen befasst, während frühere Generationen Stift und Bleistift verwendeten.

Dennoch glaube ich, dass die digitale Kunst noch in den Kinderschuhen steckt. Trotz des enormen Fortschritts bei der Computerhardware ist das allgemeine Computing und sogar das Computing, das den meisten Designstudios zur Verfügung steht, nicht schnell genug, um Kunst in dem Maßstab und Detailgrad zu reproduzieren, der mit herkömmlichen Medien möglich ist. Wenn Sie zu einer Nationalgalerie gehen, werden Sie Werke in großem Maßstab sehen. Versuchen Sie, eine 10-Fuß-Leinwand mit der Auflösung eines handgemalten Kunstwerks in einem 3-D-Programm zu reproduzieren, und Sie werden feststellen, dass dies nicht funktioniert. Tatsächlich tun sich die meisten Programme schwer, ein detailliertes Bild mit beispielsweise 300 DPI bei nur A4-Größe wiederzugeben.

Während ein Gemälde nur Flecken und Kleckse zu sein scheint, sind die Muster von sich aus wunderschön, voller Farbe, Intensität, Sättigung und Textur. Wenn Sie sich der digitalen Kunst oder einem Fernsehbildschirm nähern, sehen Sie ein Durcheinander von Verzerrungen und Artefakten.

Sobald die Bildschirmauflösung den gedruckten Medien ebenbürtig ist und die Computertechnologie es uns ermöglicht, große, hochdetaillierte Arbeiten mit hoher Geschwindigkeit zu erstellen, hat die digitale Technologie die traditionellen Medien eingeholt.

Die meisten digitalen Kunstwerke des frühen 21. Jahrhunderts können auf Geräten mit niedriger Auflösung betrachtet werden. Ein Großteil dieser Technik wird überholt sein, wenn im Laufe des nächsten Jahrhunderts Bildschirme und Geräte mit höherer Auflösung entwickelt werden. Und vieles, was nur auf Festplatten gespeichert wurde, geht für immer verloren, wenn Laufwerke ausfallen und Websites geschlossen oder neu entwickelt werden.

Ich finde es schade, dass so viel großartiges Werk in einer so begrenzten Auflösung und Größe reproduziert und nicht so gespeichert wird, dass es für zukünftige Generationen sicher ist.

Frage: Erzählen Sie uns etwas über Kunst und Ihre Lieblingskunstbewegung.

Jonathan Ball: Schwierig, weil ich so viele Stile mag. Aber ich finde, wenn ich in einer Kunstgalerie bin, liebe ich zeitgenössische Malerei, weil sie so viele Überraschungen birgt und weniger vorhersehbar ist als frühere Epochen.

Ich liebe skurrile zeitgenössische Illustrationen, besonders schlichte Kunstformen und Mischungen aus Gotik und Mythologie.

3. Ästhetik In Der Digitalen Kunst

In der Mitte des 20. Jahrhunderts führten die konzeptuellen Transformationen, die sich aus neuen Kunstansätzen ergaben, zu einer Krise der Ästhetik, wie sie sich in den neuen Kunstmedien manifestierte.

Während sich die digitale Kunst viele der Konventionen traditioneller Medien leiht, kann sie auf Ästhetik aus vielen anderen Bereichen zurückgreifen. Es wurden jedoch verschiedene Kritikpunkte geäußert: Wie viel Aufwand müssen Digitalkünstler angesichts der Vielzahl der zur Verfügung stehenden Werkzeuge tatsächlich in ihre Arbeit stecken?

Ich fragte Jan Willem Wennekes , auch bekannt als Zeptonn, nach seiner Meinung dazu. Er ist freiberuflich tätig und spezialisiert auf illustratives Design und Art Direction mit Schwerpunkt auf umweltfreundlichen und umweltbezogenen Projekten.

Jan Willem Wennekes: Die Frage scheint ein bisschen mehrdeutig. Einerseits scheint es eine Frage zu geben, wie viel Aufwand erforderlich ist, um digitale Kunst zu schaffen. Das heißt, manche Leute denken vielleicht, dass die Verwendung digitaler Medien zum Erstellen von Kunst einfacher ist als die Verwendung traditioneller Medien. Andererseits scheint es eine Frage zu geben, ob digitale Kunst eine Kunstform für sich ist (oder vielleicht überhaupt?).

In Bezug auf die erste Frage denke ich, dass sich die Arbeit mit digitalen Medien (meist Computer, Maus, Wacom, Scanner, Software usw.) nicht von der Arbeit mit Kunst in anderen Medien unterscheiden muss. Der Computer und alle von der Software erzeugten Werkzeuge sind immer noch das, was sie sind: Werkzeuge! Sie müssen diese Werkzeuge genauso beherrschen, wie Sie alle anderen Werkzeuge beherrschen müssen. Wenn Sie beispielsweise nicht verstehen, wie Licht funktioniert, können Sie keine Grafiken mit korrekter Beleuchtung usw. erstellen. Wenn Sie nicht wissen, wie das Stiftwerkzeug in Illustrator funktioniert, können Sie keine guten Grafiken erstellen, genau wie ein traditioneller Künstler, der nicht weiß, wie man einen Bleistift verwendet. Sie müssen noch die Farbtheorie und all die anderen Dinge beherrschen, die für die Schaffung eines guten oder atemberaubenden Kunstwerks unerlässlich sind. In diesem Sinne spielt es keine Rolle, ob es sich um ein Gemälde oder einen Druck handelt. Einfach gesagt, Sie müssen alle Werkzeuge und Theorien beherrschen, so wie Sie es zuvor getan haben. Und je besser Sie sie beherrschen, desto besser kann Ihr Kunstwerk sein.

Jan Willem Wennekes: Nun kann man sich fragen, ob digitale Kunst eine eigenständige Kunstform ist. Dies ist eine schwierige Frage und nicht einfach zu beantworten. Ich denke, der Unterschied besteht darin, dass „digitale Kunst“ mehr ein Gruppenbegriff als nur eine Kunstform ist. Es gibt viele Arten von digitaler Kunst: Manche ähneln Gemälden, manche sehen aus wie Fotografien, manche sehen aus wie Zeichnungen, während andere ziemlich neu und einzigartig aussehen (z. B. computergenerierte Kunstwerke). In gewissem Sinne besteht digitale Kunst aus überlappenden und neuen Arten von Kunst.

Fotografie galt einst als Konkurrent der Porträtmalerei, wurde aber letztendlich zu einer eigenen Kunstform mit vielen Richtungen und Interessensgebieten. Tatsächlich profitierte die Malerei vom Aufstieg der Fotografie und verstärkte das gegenseitige und erneute Interesse an der Kunst im Allgemeinen. Heutzutage betrachten wir Fotografie nicht als Konkurrenz zur Malerei. Wir sehen sie als unterschiedliche Medien mit unterschiedlichen Vor- und Nachteilen. Ich denke, dasselbe gilt für neuere digitale Kunstformen.

4. Kunst Wie Wir Sie Heute Kennen

Das 20. Jahrhundert war ein Wendepunkt in unserer Kunstauffassung, weshalb zeitgenössische Künstler häufig nach neuen Konzepten greifen, mit der Tradition brechen und klassische Schönheitsbegriffe ablehnen. All diese Faktoren haben zur Entstehung der abstrakten Kunst geführt. Der Künstler versucht nicht mehr, die Realität zu reflektieren, sondern der inneren Welt und den Gefühlen Ausdruck zu verleihen.

Die alten Definitionen von Kunst sind überholt. Heutzutage ist Kunst ein sich entwickelndes und globales Konzept , das offen für neue Interpretationen ist und zu flüssig ist, um es festzuhalten.

Ich habe Nate Williams und Travis Lampe interviewt , um neue Elemente der zeitgenössischen Kunst zu erforschen und um die Frage zu beantworten, welche neuen Elemente und Prinzipien in der heutigen Kunst offensichtlich sind.

Nate Williams, auch bekannt als Alexander Blue, ist ein Künstler, Illustrator und Designer aus den USA. Er verfügt über umfangreiche Erfahrungen in verschiedenen Facetten der Illustrationsbranche und hat eine Vielzahl von Kunden. Seine Illustrationen richten sich sowohl an Erwachsene als auch an Kinder. Er hat auch in der Werbewelt und in den Bereichen Verlagswesen, Musik, Mode, Textilien, Wohnkultur, Merchandising, Plakate, Presse und sozialer Ausdruck gearbeitet.

Travis Lampe ist ein Illustrator, der derzeit in Chicago lebt und arbeitet. Er arbeitete als Art Director in der Werbung. Nach einem zweijährigen Aufenthalt in Warschau kehrte er nach Chicago zurück und versuchte sich in der Kunst- und Illustrationsszene. Er macht gerne Kunst und Spielzeug und hat in feinen Galerien in den USA und in Europa ausgestellt.